L’apparition des grands formats et l’entrée de la photographie au musée, à partir des années 1970, a installé la question du rapport qui se noue entre l’œuvre et le spectateur au cœur des préoccupations d’une nouvelle génération d’artistes. L’historien et critique d’art Michael Fried étudie cette évolution majeure de la photographie à travers les images de Jeff Wall, Andreas Gursky, Thomas Struth, Bernd et Hilla Becher, Thomas Demand, Rineke Dijkstra, Candida Höfer, Hiroshi Sugimoto, Luc Delahaye et Jean-Marc Bustamante, entre autres artistes. Prenant appui sur des textes choisis de Heidegger, de Hegel, de Wittgenstein et de Roland Barthes, il analyse notamment les notions d’antithéâtralité, d’absorbement, de quotidien et de punctum, essentielles à la compréhension de la pratique photographique de notre temps. Il souligne ainsi les enjeux qui ont permis à la photographie d’avoir aujourd’hui force d’art. Ce livre est traduit de l’américain par Fabienne Durand-Bogaert.
Michael Fried, qui enseigne à l’université Johns Hopkins de Baltimore en qualité de « J.R. Herbert Boone Professor of Humanities and the History of Art », est l’un des historiens majeurs de l’art moderne et contemporain. On lui doit notamment, outre le célèbre essai « Art et objectité », salué par la critique dès sa publication en 1967, une trilogie de référence sur la peinture française : La Place du spectateur (Gallimard, 1990), Le Réalisme de Courbet (Gallimard, 1993) et Le Modernisme de Manet (Gallimard, 2000). De lui ont récemment paru en langue anglaise : The Moment of Caravaggio (Princeton University Press, 2010) ; Four Honest Outlaws : Sala, Ray, Marioni, Gordon (Yale University Press, 2011) et Flaubert’s « Gueuloir » : On Madame Bovary and Salammbô (Yale University Press, 2012).
